Nos vemos en Enero del 2011

Estimados amigos cinéfilos, por las festividades de fin de año, Navidad, Año Nuevo, Rosca de Reyes, suspenderemos nuestras Noches de los Martes.
En Enero del 2011 terminaremos el Ciclo Suspenso con la película que quedó pendiente: VESTIDA PARA MATAR (1980) del maestro Brian de Palma, con Michael Caine y Angie Dickinson en los roles principales.
Así que MUCHAS FELICIDADES PARA TODOS y nos veremos el año que entra.
Estén al pendiente de nuestra programación y de nuevos y sorprendentes Ciclos. Y recuerden que el Cine es un Arte que debemos captar con varios sentidos y sentimientos. Recuerden que el cine es un arte que viaja en el tiempo, y es capaz de transportarnos a mundos fascinantes. Es una Lámpara Mágica que nos lleva por esos grandes caminos de la imaginación.

Cont. Suspense

El género suspenso ha tenido grandes especialistas que han realizado obras irrepetibles. Por supuesto el que llegó a gozar del título de "mago del Suspenso" fué Alfred Hitchcock, ya que supo presentar como nadie historias que nos mantenían al vilo de nuestros asientos durante toda la película. En 1935 puso en tensión al público con el maravilloso argumento de "39 escalones". Después nos sorprendió con películas
como "Sospecha", "Encadenados", o con otra brillantes cintas interpretadas por James Stewart que fueron "la Soga", "La Ventana Indiscreta" (que veremos mañana 30 de nov. en el CineclubCancun) o "El Hombre que sabía demasiado".
Otro gran director que frecuentó este género fué el austriaco Fritz Lang con "el vampido de Dússeldorf".

CICLO "SUSPENSO"

Después de exhibir la película de Fernando de Fuentes "Vámonos con Pancho Villa" (1936), vamos a tener un Ciclo de "SUSPENSO". Las películas que conforman éste son: "La Ventana Indiscreta" (1954) Dir. Alfred Hitchcock; "El Salario del Miedo" (1953) Dir. Henri-Georges Clouzot; y "Vestida para Matar" (1980) Dir. Brian de Palma. Es un ciclo corto porque después nos vamos de Vacaciones navideñas y reiniciamos el Cineclub el 11 de enero de 2011.
Pero para empezar a saborear este último ciclo del 2010, vamos a hablar un poco de este Género cinematográfico: El Suspense.
En la historia del cine existen muchas películas que pertenecen a este género de suspense o intriga, pero llegó a un nuevo término que no se tardó en adoptar: el "thriller" que lo único que hizo fué crear confusión. ¿Qué es en realidad un thriller? Como usan el término algunos especialistas, no resulta fácil definirlo como género, ya que se han calificado como "thrillers" obras policiacas, de espionaje o de terror. Cuando nació esta palabra, que por cierto fué en Inglaterra, se empleó para calificar a ciertas obras literarias - y más tarde cinematográficas - que pretendían generar tensión y suspense entre el público. Así que, entenderemos que el término thriller engloba a todas las películas que simplemente son llamadas películas de "suspense".
continuará...
pb

Conclusión a Vámonos con Pancho Villa

Decíamos en la anterior nota que el mexicano sabe reírse de la muerte. Y recuerdo a un actor español que decía que "es lícito reírse de la muerte; y no sólo es lícito, sino que es de lo más saludable y aconsejable".
La película se hizo a un costo mayor de lo acostumbrado: Trenes, caballos y batallas. En su estreno, en el Cine Club de la Universidad (UNAM), se opinó: "Vámonos con Pancho Villa" es una gran película, tal vez la mejor que se ha hecho en este país. Otro: "con un sencillo argumento, De Fuentes construye un poema épico que comienza con la sencillez de un corrido y termina con la grandeza de una tragedia antigua". Monsivais (qepd) fué el que remarcó y lo hace notable, el papel del Tren como el primer personaje de la revolución. "El tren es el espacio vital de la lucha, el sustento, el génesis. Alli transitan y se establecen las pasiones; en su inmovilidad o en su fuga se cifran todas las esperanzas y los anhelos. Es el paisaje y la esencia de la revolución, su símbolo. Y en toda la historia de nuestro cine sólo Fernando de Fuentes, en Vámonos con Pancho Villa, ha sabido otorgarle al tren su justa dimensión". Hasta aqui el comentario de Carlos. Y hasta aqui, mis comentarios sobre esta película.
Vamos a verla el próximo martes 23 de noviembre en el auditorio de la Universidad del Caribe, a las 8 de la noche.
PB

Cont: Vámonos con P. Villa

Hablábamos del General Lázaro Cárdenas y lo que significó para el cine: fué el primer presidente que puso interés en él y de que se hiciera en México. Durante su gobierno financió la construcción de los estudios CLASA y contribuyó en la filmación de Vámonos con Pancho Villa, así como de varios documentales. Con la construcción de los estudios CLASA se introducían en el cine aspectos de Significación para el acabado de los filmes. Hubo adelantos en le departamento de sonido, así como la muy valiosa atención en los trabajos de laboratorio.
De las 22 películas que se hicieron en 1935, solo mencionaré 5: "Martín Garatuza" (D. Gabriel Soria), "Vamonos con Pancho Villa" y "La Familia Dressel" (D. Fernando de Fuentes), "Rosario" (D. Miguel Zacarías) y "Madre Querida" (D. Juan Orol).
Por ser la película que nos interesa por ahora, hablaremos de "Vámonos con Pancho Villa".
Telón de fondo y motivo decorativo: LA REVOLUCIÓN MEXICANA. Los personajes que acompañan al "caudillo", llenan el tiempo y la pantalla entre balazos y carcajadas y un soporte escenico muy importante e interesante, es el tren: esa gran máquina echando humo negro y vapor blanco, fuertes ruedas de acero, bielas y pistones como fuertes brazos de lucha y de batalla, corriendo vertiginosamente en busca de ideales, de sueños y fantasías: la libertad, la socialización, esa máquina como símbolo que nos dice que el mexicano sabe pelear y reirse de la muerte.
(conclusión en el próximo comentario).
PBringas

A propósito de Vamonos con Pancho Villa

Antes de hablar de la película en si, vamos a recordar un poco qué 13pasaba con el cine mexicana en esa época, los 30´s. En 1935 se realizaron 21 películas, situándose a la cabeza de la producción cinematográfica en castellano. Las tres obras más importantes en ese año fuéron: "El Compadre Mendoza", "El Prisionero 13", dirigidas por Fernando de Fuentes, y "La Mujer del Puerto". Miguel Zacarías filma "Sobre las Olas".
En 1934 fué electo presidente de México el general Lázaro Cárdenas, para un período de 6 años, dos más de los acostumbrados hasta entonces.
(continuará)

Fin Ciclo Grandes Amores

Terminamos el ciclo GRANDES AMORES. Resumiendo: Iniciamos con MARÍA CANDELARIA (1944) D. Emilio "el Indio" F., con Dolores del Rio y Armendariz. Siguió CASABLANCA (1942) D. Michael Curtiz, con Igrid Bergman y Bogart. Luego UN HOMBRE Y UNA MUJER (1966) D. Claude Lelouch, con Anouk Aimée y Trintignant. Después vimos CUMBRES BORRASCOSAS (1939) D. William Wyler, actuando Juliette Binoche y Ralph Fiennes. Y, por último, ayer martes 9 de noviembre 2010: LOS PUENTES DE MADISON (1995) D. Clint Eastwood, actuando él mismo y Meryl Streep.
Todo un éxito este ciclo. Causó todo tipo de comentarios encontrados, alagos a las actuaciones, sorpresas en los montajes, excelentes historias llevadas a la pantalla y los convivios al final de cada una de las funciones, realmente una reunión entre amigos que gustan de este maravilloso Séptimo Arte.
La próxima semana, para conmemorar el Centenario de la Revolución Mexicana, se proyectará una (y sólo una) película clásica del cine Mexicano. Estén al pendiente, ya pasaremos el título en breve. Y después, iniciamos otro ciclo.
Gracias por su asistencia y nos gustaría mucho saber sus comentarios.

Día de Muertos

Avisamos a todos los miembros habituales del CineClub Ortega&Chacón que el próximo martes 2 de noviembre no habrá función por motivo de la festividad del Día de Todos los Muertos. Los esperamos el martes 9, reanudando nuestras funciones normales.

Sobre Cumbres Borrascosas (1992)

Ayer, martes 26 de octubre 2010, admiramos la película Wuthering Heights en una versión sumamente interesante. La extraordinaria actuación de Ralph Fiennes y Juliette Binoche, dirigidos por Peter Kosminsky. Una adaptación de la novela de Emily Jane Brontë (1818-1848). Y ahora quisiera hablar sobre este tema: "Cine y novela". Los pioneros del cine utilizaron obras literarias como fuentes de inspiración. Por ejemplo, se intentó hacer una singular adaptación del clásico "La cabaña del Tio Tom" (Edwin S. Porter) en 1902. En la historia del Séptimo Arte ha habido adaptaciones excelentes. Como ejemplo, y solo por mencionar algunas, Francis F. Coppola supo adaptar con fidelidad y acierto "El Padrino" obra de Mario Puzo. Elia Kazan rodó una extraordinaria película, "Al este del paraíso" basandose en la novela de John Steinbeck. Muchos países, a través de su cinematograía, ha querido honrar a sus mejores escritores, y algunos géneros se han apoyado con fuerza en las letras. Por ejemplo, en el cine policiaco, íntimamente ligado a la novela negra, tenemos "El cartero llama dos veces" basada en la obra de James M. Cain, y "El halcón maltes" de Dashiell Hammet, así como de reconocidos maestros como Arthur Conan Doyle o Agatha Christie. Se han filmado cantidad de películas adaptadas de obras literarias extensas, como "Lo que el Viento se llevó" de Margaret Mitchell.
Exiten autores que sus obras han traspasado fronteras y han sido adaptadas en muchos países. Mención especial en este sentido es William Shakespeare, cuya extensa obra ha dado pie a más de 300 películas, por lo que se puede considerar el principal escritor en la historia del Cine.
Hay más de que hablar...

Sobre Un Hombre y una Mujer, la película

Las Noches de los Martes: película del CineClubCancun O&CH. Vimos Un hombre y una mujer (1966), dirigida por Claude Lelouch, y después de verla, me quedé pensando en el trabajo del director, de este y de todos los directores de películas. Me imaginé los días de trabajo inhumano y enloquecedor, lod dolores de espalda, los ojos llenos de polvo, de humo, el olor de gasolina, el ruido de los motores, olor de maquillaje, sudor, luces; una serie de tensiones y demoras; una batalla constante entre el deseo y el deber, entre la visión y la realidad. Vive una angustia constante durante el rodaje, el temor de que surja algún contratiempo que no sepa solucionar. Debe tomar decisiones, tener recursos para todo y, si no, inventarlos. Luego hablaremos de grandes realizadores en la historia del cine.
Pero otra cosa que me llamó la atención, fue el montaje: esos cambios de color a blanco y negro o de color a sepia y visceversa. Sabemos que el montaje es uno de los precesos más importantes en la relización de un filme. En muchos (muchos) casos es definitivo. Ampliaremos más adelante de esta función en la realización de una película. Solo baste, por ahora, recordar a Sergei Eisenstein (El Acorazado Potemkin, Octubre, La Huelga)como uno de los padres del montaje.

Función Suspendida

Por causas de fuerza mayor y en espera del huracán Paula, se suspende la función programada para hoy martes 12 de octubre. Reanudamos el próximo martes 19 de octubre con la misma película "Un hombre y una Mujer".

Recomendamos tomar las debidas precauciones. Muchas gracias.

Casablanca (por Jorge Paredes)

Todos saben algo de Casablanca, la hayan visto o no. Muy pocos saben que el resultado final es producto de una una afortunada mezcla de acontecimientos muchas veces ajenos a la voluntad de los realizadores. En otras palabras: Un chiripazo.

Y quizás lo que más contribuyó a su legendario encanto, es el hecho de que en este caso todos los aspectos positivos del sistema de Hollywood funcionaron a la perfección. Hal Wallis, el productor, consiguió ensamblar un equipo de profesionales de primer nivel en todos los rubros.

Guión

Muy poca gente se acuerda hoy de Murray Burnett y Joan Allison, pero en honor a la justicia todo empezó con ellos, los autores de una obra teatral llamada “Everybody Comes to Rick’s”, la historia de un norteamericano exiliado en Casablanca que termina envuelto en una intriga en la que participan su ex amante, un líder de la resistencia antinazi, un oficial francés de Vichy y un capitán alemán.

La historia básica es la misma que la de la película, con dos variantes significativas: en el original el amor perdido de Rick es una americana de dudosa reputación llamada Lois Meredith (de ahí que haya circulado el nombre de Ann Sheridan para el papel) y al final el héroe termina en la cárcel.

El libro llegó a la Warner Brothers el 8 de diciembre de 1941, un día después del ataque a Pearl Harbor. Uno de los lectores del estudio lo recomendó a Hal Wallis quien dos semanas después dio luz verde al proyecto.

El guión estuvo en manos de diferentes especialistas, cada uno de los cuales le aportó lo que mejor sabía escribir.

Los primeros escritores principales en trabajar en el guión fueron los gemelos Epstein, Julius y Philip, quienes eliminaron el trasfondo del personaje Rick y aumentaron los elementos de comedia. Después intervino el otro escritor reconocido en los créditos, Howard Koch, pero trabajando en paralelo con ellos y haciendo énfasis en otros aspectos. Koch resaltó los elementos políticos y melodramáticos. Según parece, fue el director Curtiz quien favoreció las partes románticas, al insistir en que permanecieran los flashbacks hacia París.

Aún a pesar del gran número de escritores involucrados, el filme tiene gran unidad y consistencia (dicen los que dicen que saben).

Julius Epstein anotaría posteriormente que el guión contenía «más maíz (corn) que en los Estados de Kansas y Iowa juntos. Pero cuando el maíz sirve, no hay nada mejor. La palabra inglesa original, corn "maíz" también se refiere, en el slang, a un tipo de humor tonto, gastado, banal y sentimental.

Dirección

La primera opción del productor, para dirigir la película fue William Wyler, pero como no estaba disponible Wallis decidió escoger, tras barajar varios nombres, a su amigo, el director Michael Curtiz: uno de esos “artesanos” que eran capaces de llevar a buen puerto cualquier material: Michael Curtiz, muchas veces minusvalorado por la crítica, pero con una filmografía interesante. Basta citar, a manera de ejemplo, El capitán Blood, 1935, La carga de la brigada ligera, 1936, Las aventuras de Robin Hood, 1938, Cuatro hijas, 1938, Ángeles con caras sucias, 1938, El halcón de los mares, 1940, El lobo del mar, 1941, Triunfo supremo, 1942 y El suplicio de una madre, 1945.

El reparto

Y sobre todo, ese elenco que ahora consideramos incomparable:

Humphrey Bogart como Rick Blaine. Al inicio de su carrera, Bogart se había encasillado en papeles de gángster. Rick fue su primera interpretación en un rol verdaderamente romántico. Este rol fue ofrecido a Ronald Reagan quien lo rechazó y se barajó también el nombre de George Raft .

Ingrid Bergman como Ilsa Lund, papel del que se dice fue el más famoso y perdurable. Su personaje irradia una especie de espiritualidad que trascendía su considerable belleza y la hacía irresistible. Otras actrices consideradas para interpretar a Ilsa habían sido Ann Sheridan, Hedy Lamarr y Michèle Morgan; Wallis adquirió los servicios de Bergman mediante un contrato con David O. Selznick, a cambio de prestarle a Olivia de Havilland.36

Paul Henreid como Victor Laszlo. Henreid, actor austríaco que había abandonado su país natal en 1935, rechazó en un principio el papel (ya que pensaba que éste «lo encasillaría para siempre y sólo lo aceptó cuando recibió la promesa de encabezar el reparto junto a Bogart y Bergman). Henreid no se llevó muy bien con sus compañeros actores y, de hecho, consideraba a Bogart solo «un actor mediocre», mientras que Bergman se refería a Henreid como una «prima donna».

Claude Rains como el capitán Louis Renault. Rains, actor londinense, curiosamente había servido en la Primera Guerra Mundial, en donde efectivamente había alcanzado el grado de capitán. Además como actor había trabajado previamente con Michael Curtiz en Robin de los bosques. Curtiz fue su maestro y se dice que le enseñó «qué no hacer frente a una cámara»

Dooley Wilson como Sam. Wilson, actor estadounidense, era en realidad baterista y no sabía tocar el piano. Hal Wallis previamente consideró la posibilidad de cambiar la figura masculina del pianista por una femenina (papel que podría haber sido interpretado por Hazel Scott o Ella Fitzgerald), e incluso aún después de haber terminado el rodaje, Wallis siguió considerando doblar la voz de Wilson en las canciones que éste interpretaba.

Ese elenco perfecto pudo haber sido muy diferente, y en general mucho menos interesante, si algunas propuestas de casting hubieran prosperado.

Cuando uno piensa en qué podría haber resultado si se hubieran cometido algunas de esas modificaciones en el reparto, tiene que convenir en que Casablanca es, como decía al principio, un feliz accidente.

La música

La música fue escrita por Max Steiner, compositor que había saltado a la fama por haber sido el artífice de la música de la película Lo que el viento se llevó. La canción As Time Goes By de Herman Hupfeld había sido escogida para formar parte de la obra de teatro original, y Steiner tenía previsto reemplazarla por una obra propia. Sin embargo, cuando el compositor quiso crear su propia obra para remplazarla, se encontró con que Ingrid Bergman ya se había cortado el cabello para protagonizar su siguiente papel cinematográfico (María, en Por quién doblan las campanas), por lo que no se podían volver a rodar las escenas en las que aparecía la canción. Por otra parte, cuando se estrenó la película la canción gozó de un resurgimiento que la posicionó 21 semanas en los primeros puestos de las listas de éxitos.

Ese elenco perfecto pudo haber sido muy diferente, y en general mucho menos interesante, si algunas propuestas de casting hubieran prosperado.

Cuando uno piensa en qué podría haber resultado si se hubieran cometido algunas de esas modificaciones en el reparto, tiene que convenir en que Casablanca es, como decía al principio, un feliz accidente.

Comentarios

Aunque el guión no estaba resuelto, la filmación empezó el 25 de mayo de 1942. La confusión sobre cómo iba a terminar la historia influyó en la actuación de Ingrid Bergman, que al no saber con quién iba a quedarse transmitió la misma inseguridad a su personaje.

Nadie estaba conforme con la solución de la obra: Rick deja escapar a Ilsa con Laszlo y se entrega a las autoridades, que lo encarcelan. Con Estados Unidos en guerra, el protagonista no podía tener un final tan deslucido.

Las posibilidades más claras eran :

1) Rick promueve el escape de Ilsa y Laszlo y muere heroicamente cubriendo la huída;

2) Se produce un enfrentamiento en el aeropuerto, Strasser mata a Laszlo, Rick mata a Strasser y se queda con Ilsa. Ninguna de las dos versiones lo convencía a Hal Wallis: en una terminábamos con Bogart muerto y en la otra, si bien había un final feliz, se minimizaba la causa al eliminar al personaje que encarnaba la resistencia al régimen nazi.

A esta altura el guión volvió a manos de los mellizos Epstein, para trabajar el último acto de una vez por todas. Según se cuenta, los dos volvían del estudio después de haberse devanado los sesos tratando de encontrar un final satisfactorio, y detenidos en un semáforo dijeron a la vez: “¡ Los sospechosos de siempre!” La solución era hacer intervenir a Renault a favor de Rick y de esa manera podía terminar la película con el renunciamiento del héroe y el triunfo final de los buenos. De paso el tono agridulce esquivaba el “happy ending” convencional.

Con el tema arreglado, la filmación siguió adelante y finalizó el 3 de agosto. Aún había un detalle pendiente: la línea final no estaba escrita. Deliberadamente Curtiz había elegido un plano general de Rick y Renault de espaldas para dar margen a insertar cualquier entrada de diálogo en un doblaje posterior. Había cuatro posibilidades para la respuesta de Rick a “los diez mil francos deberían cubrir nuestros gastos”, de Renault:

1.- Louis, empiezo a ver la razón de tu repentino ataque de patriotismo. Al defender a tu país, estás protegiendo tu inversión.


2.- Si llegas a morir como un héroe, Dios proteja a los ángeles.


3.- Louis, debería haber previsto que ibas a mezclar tu patriotismo con un poco de interés.


4.- Louis, creo que éste es el comienzo de una hermosa amistad.

Con muy buen criterio, Wallis terminó decidiéndose por la última (que él mismo había ideado).

Casablanca es una de las películas con mejores diálogos en toda la historia del cine, en lo que reside una buena parte de su atractivo. Algunas citas:

UGARTE: Usted me desprecia, Rick, ¿verdad?
 RICK: Si alguna vez pensara en usted lo despreciaría.

YVONNE: ¿Dónde estuviste anoche?


RICK: Fue hace tanto tiempo que no me acuerdo.


YVONNNE: ¿Te veré esta noche?


RICK: Nunca hago planes con tanta anticipación.

RENAULT: A veces me pregunto por qué no vuelve a Estados Unidos. ¿Se robó los fondos de una iglesia, se escapó con la mujer de un senador o mató a alguien?


RICK: Es una combinación de las tres cosas.


RENAULT: En nombre del cielo, ¿qué lo trajo a Casablanca?
RICK: Mi salud. Vine a Casablanca por el agua.
RENAULT: ¿El agua? ¿Qué agua? Si estamos en el desierto.
RICK: Me informaron mal.

STRASSER: ¿Cuál es su nacionalidad?
RICK: Borracho.

RICK: Si es diciembre de 1941 en Casablanca, ¿qué hora es en Nueva York?
SAM: No sé. Se me paró el reloj.

RICK: Este revólver apunta a tu corazón.


RENAULT: Es mi punto menos vulnerable.

Pero tal vez la frase más famosa de la película nunca se dice: Play it again Sam (Tócala de Nuevo, Sam)

“We’ll always have Paris”,

“Arresten a los sospechosos de siempre”,

La opinión de Umberto Eco

Umberto Eco escribió un ensayo más que interesante sobre las resonancias míticas de Casablanca, (Casablanca, o el renacimiento de los dioses. 1975) en el que determina la presencia de algunas constantes narrativas que la acercan a temas universales (arquetipos) . Entre ellas destaca el amor que no puede concretarse, el vuelo como metáfora de la huída (la única salida es el avión), el pasaje a la tierra prometida (en este caso, Estados Unidos por vía de Lisboa), la guerra santa (Laszlo es el idealista opuesto a una dictadura monstruosa), la espera (recordemos que la escena inicial de la película es un pseudo documental sobre la situación en Casablanca, y la voz del narrador termina repitiendo que los refugiados “esperan... esperan... y esperan”), la llave mágica para resolver el juego fatal (en este caso las visas de tránsito, McGuffin si los hay) y por sobre todo el triunfo de la pureza: los únicos que pueden concretar su deseo y encontrar la libertad son los puros de corazón (Ilsa y Laszlo), en tanto que Rick alcanza la pureza a través del sacrificio de su amor, lo que le asegura la redención final.

De esa redención participa Renault, no sólo como agente de la salvación de Rick sino encontrando su propio camino con su decisión, que lo convertirá en otro prófugo y en definitiva en un héroe a pesar suyo.

Y es que tal vez ahí encontremos la magia imperecedera de Casablanca: es la historia de alguien que en un ambiente ambiguo, corrupto, plagado de intrigas, se permite la nobleza de renunciar a su amor. Nos gustaría creer que todavía hay un lugar para los Ricks en un mundo en el que los ideales parecen cosa del pasado

Aquí se puede leer el libro "Casablanca: Una historia y un mito" de J. Antonio González C.

Un homme et une femme

Un hombre y una mujer (cuyo título original en francés es Un homme et une femme) se estrenó en 1966. La película fue escrita por Claude Lelouch y Pierre Uytterhoeven, y dirigida por el primero. Esta película es memorable por varias razones; la primera es su fotografía, la cual ofrece secuencias entre tomas a color, blanco y negro, así como algunas más en sepia, dependiendo el tono de la escena y lo que quería representar el director. La música es famosa e inolvidable y fue creada por Francis Lai, y finalmente, la historia de un amor simple, de dos personas que se involucran en la vida, como un hombre y una mujer.

La película ganó muchos premios cinematográficos, incluyendo la Palma de Oro en el festival de cine de Cannes en 1966, y en 1967 obtuvo dos premios Óscar de la Academia, uno para la Mejor película de habla no inglesa y para el Mejor guión original; en el mismo certamen Anouk Aimée fue nominada para el premio de Mejor actriz en un papel principal y Lelouch para el premio de Mejor director.

El CineClubCancún Ortega & Chacón le invita éste martes 12 de octubre a las 8 de la noche, en el Auditorio de la Universidad del Caribe a disfrutar de ésta hermosa y poética película. No olvide llevar a su pareja... O a quién más confianza le tenga.

Dirección: Claude Lelouch
Producción: Claude Lelouch
Guión: Claude Lelouch, Pierre Uytterhoeven
Reparto: Anouk Aimée, Jean-Louis Trintignant
País: Francia
Año: 1966
Género: Drama romántico
Duración: 102 min.

Comentario sobre "CASABLANCA", el filme

No cabe duda, después de admirar una película como esta, que encontramos un conjunto de SIGNIFICANTES, por ejemplo: las hermosas imágenes de Ingrid Bergman, las frases pronunciadas, los sonidos escuchados (la canción tema), el vestuario de todos los actores y actrices, los gestos y expresiones del rostro de los personajes, la presencia de los "símbolos" precisos, psicoanalíticos, sociales o ideológicos, etc. Pero tambien encontramos un conjunto de SIGNIFICADOS: la psicología de los personajes, el contenido social del filme y el "mensaje" ideológico del cineasta, entre otros.
Los significantes descritos anteriormente, son los que produjeron en el interior de cada uno de nosotros que vimos la película, una serie de emociones, sentimientos, identificaciones con algún personaje, alegrías, odios, que pueden dar a nuestra vida un sentido característico.
Y esta película logró esto en muchos de los que la vimos. Aunque ya la habíamos visto varias veces, es ahora que le encontramos estos Significantes. PB

Play it again, Sam...

Casablanca es tal vez la película más memorable del cine holliwoodense. Las actuaciones de Humphrey Bogart e Ingrid Bergman, la dirección de Michael Curtiz, el reparto estelar, la historia, las frases de la película y la canción principal donde la sueca muestra un rostro icónico del cine, hacen de ésta película un platillo de lujo para ser degustado.

El CineClubCancún Ortega & Chacón se enorgullese al presentar esta maravillosa e inolvidable película que se ha convertido en un filme de culto a través de la historia. Los esperamos este martes 5 de octubre a las 8 de la noche en el Auditorio de la Universidad del Caribe.

A continuación la ficha técnica y el trailer.

Dirección: Michael Curtiz
Dirección artística: Carl Jules Weyl
Producción: Hal B. Wallis
Guión: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard Koch, Casey Robinson (sin créditos)
Música: Max Steiner
Sonido: Francis J. Scheid
Editor: Owen Marks
Fotografía: Arthur Edeson
Vestuario: Orry-Kelly
Efectos especiales: Lawrence Butler
Reparto: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, S.K. Sakall, Madeleine LeBeau, Dooley Wilson, Joy Page, John Qualen, Leonid Kinskey, Curt Bois.
País: Estados Unidos
Año: 1942
Género: Drama, Romance, Guerra
Duración: 102 minutos

Sobre "María Candelaria"

Este es mi comentario acerca de la película del martes pasado: "MARIA CANDELARIA" (Xochimilco)(1944): Un tiempo antes de la realización de esta película, se celebraba el cumpleaños de Dolores del Rio, en su casa. Llegaban los invitados y ofrecían sus presentes a la cumpleañera. Cuando toca el turno al Indio Fernandez, saca de sus bolsillos de su chamarra un monton de servilletas en donde había escrito un borrador del guión de "Xochimilco" y casi se lo arroja sobre la mesa, diciendole: -"Este es mi regalo. Quémelo, regálelo, véndalo, haga lo que quiera". Dolores, una vez que lo leyó, aceptó el papel protagónico, no sin antes pensar: -"PRIMERO, UNA MUJER DE RANCHO... Y AHORA, ¿QUIERE QUE HAGA UNA INDITA? YO... ¿DESCALCITA?
María Candelaria ama por igual a la Virgen, a Lorenzo Rafael, a una marranita y a la tierra.
Durante años buscamos y buscamos y nunca encontramos una "indita" como esta por Xochimilco ni por sus alrededores. Bueno, claro, hasta ahora que apareció La Loba" por esos lares.

Maria Candelaria (Xochimilco) 1944

Este próximo martes 28 de septiembre se exhibirá la película MARIA CANDELARIA dirigida por Emilio "El Indio" Fernandez, con las extraordinarias actuaciones de Dolores del Rio y Pedro Armendariz. La fotografía es de Gabriel Figueroa.
Una sublime historia de amor, un drama rural (este es el género)en donde se expone la inocencia y pureza indígenas.
Existen muchas anécdotas alrededor de esta película, pero estas se comentarán al final de la exhibición.
Premiada por el Festival de Cine en Cannes a la mejor fotografía y el Gran Premio del Festival a Emilio Fernandez.
Este film ocupa el lugar 37 de las 100 mejores películas del cine mexicano.
No faltes.

Dirección: Emilio Fernández
Producción: Agustin J. Fink
Guión: Emilio Fernández
Música: Francisco Domínguez
Fotografía: Gabriel Figueroa
Reparto: Dolores del Río, Pedro Armendáriz, Alberto Cortés, Miguel Inclán, Julio Ahuet
País: México
Año: 1943
Género: Drama
Duración: 102 minutos

algo sobre cine Historico

Desde los inicios del cine, los cineastas se han esforzado por hacer reconstrucciones de la Historia, ya que estas eran muy aplaudidas por el público. Algunos realizadores demostraron que podrían interpretar la Historia desde su propia ideología. Tal es el caso de Griffith con INTOLERANCIA.
El cine alemán mudo se sirvió de la Historia para exaltar los valores nacionales: MADAME DUBARRY y ANA BOLENA.
El cine sovietico con filmes partidistas de la Historia: EL ACORAZADO POTEMKIN y OCTUBRE de Eisenstein.
Hollywood manupuló la Historia a su antojo, pero más que por intereses ideológicos lo hizo con fines estéticos.
La Historia de la humanidad a pasado por las pantallas del cine: prehistóricas, Egipto, Grecia, Roma, la Edad Media, el Renacimiento, el Descubrimiento y la conquista de América.
Las gestas de Cristobal Colón y de otros muchos viajeros sirvieron de excusa a producciones muy diversas, por ejemplo: ALBA DE AMÉRICA, 1492, ARAUCANA, AGUIRRE LA IRA DE DIOS, EL DORADO y la del próximo martes 21 de septiembre del 2010: "CABEZA DE VACA" dirigida por Nicolás Echevarría en el CineClubCancún, a las 8 de la noche.

Cabeza de Vaca

El próximo martes 21 de septiembre, el CineClubCancún Ortega & Chacón proyectará una película mexicana en conmemoración del Bicentenario de la Independencia. Se trata de Cabeza de Vaca, un filme de Nicolás Echevarría basado en los escritos del conquistador español del mismo nombre que narra cómo se embarcó en la expedición de Pánfilo de Narváez a la Florida. Cuando la expedición naufraga en las costas de Texas, tras ser diezmados por las flechas indígenas, Cabeza de Vaca cae prisionero y es convertido en esclavo junto con algunos sobrevivientes de la expedición. Durante varios años Alvar Nuñez será el servidor de un chamán trashumante y aprenderá sus técnicas curativas.

Este filme ocupa el lugar 61 dentro de la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano, según la opinión de 25 críticos y especialistas del cine en México, publicada por la revista Somos en julio de 1994.

Más que una propuesta histórica rigurosa, el filme de Echevarría plantea una visión plástica del mundo americano del siglo dieciséis. Al recurrir a la creación de comunidades indígenas probables de esa época -ninguna de ellas históricamente cierta- el cineasta sintetiza la visión imperante en ese mundo y, sobre todo, la incomprensión del europeo ante esa nueva realidad.

Por ésta ocasión, la película se proyectará en el AULA A-1 de la Universidad del Caribe.

Dirección: Nicolás Echevarría
Producción: Rafael Cruz, Julio Solórzano, Jorge Sánchez
Guión: Nicolás Echevarría, Guillermo Sheridan
Música: Mario Lavista
Fotografía: Guillermo Navarro
Reparto: Juan Diego, Daniel Giménez, Cacho, Julio Solórzano, Josefina Echánove, Roberto Sosa, Roberto Cobo
País(es): México/España/Estados Unidos/Gran Bretaña
Año: 1990
Género: Drama histórico
Duración: 112 minutos

Algo de historia cinematográfica

Comentarios enviados por Juan Manuel Aranda que me parecen muy interesantes.
AMIGOS.

Un famoso productor de películas de Hollywood estaba ocupado en la selección del protagonista de su próximo film, y se encontraba al borde de la frustración porque ninguno de los actores que se habían presentado hasta entonces parecían satisfacerlo completamente. De repente entró al foro un joven mensajero, entregó su mensaje y se despidió con una sonrisa.

El productor registró toda la escena desde la distancia, en silencio. Llamó a su asistente y le ordenó que alcanzaran al joven mensajero y lo hicieran regresar.... ..

- "Ya tengo al próximo protagonista" - aseguró.

Sus compañeros lo miraron incrédulos. Al casting se habían presentado actores de renombre, algunos ya consagrados, y sin embargo, éste productor se veía entusiasmado por un joven mensajero... al que ni siquiera le habían tomado una prueba de actuación!

- "¿Estás seguro?!"- le preguntaron, incrédulos.

"Señores, esa sonrisa que acabo de ver vale un millón de dólares! Y no estoy dispuesto a perderla" - les dijo, como dando por finalizada la discusión.

Mientras tanto su asistente había dado alcance al joven mensajero, pero tuvo que esforzarse en convencerlo de que no estaba bromeando cuando le dijo que un productor de películas lo había hecho buscar.

Aquel joven había tomado el puesto de mensajero porque era lo único que pudo conseguir para estar cerca de su íntimo sueño de ser actor de cine.

Un par de años atrás había atravesado todo su país de costa a costa, desde New Jersey en el extremo Este, hasta California en el Oeste persiguiendo su ilusión de dedicarse a la actuación.

Hasta ese día solo había conseguido pequeños papeles secundarios en películas de muy bajo presupuesto y apenas había logrado juntar el dinero necesario para cubrir las lecciones de actuación que estaba tomando.

Ahora, el productor y el mensajero estaban frente a frente.

El primero le explicaba al segundo cuál era su convicción y el segundo no podía creer lo que oía.

Se estaba reponiendo del shock justo cuando llegaron a la parte donde debían acordar el salario.

- "Te pagaremos U$ 11.000 dólares"- dijo el productor.

No estaba mal por un par de semanas de trabajo, pero el joven mensajero estaba recién divorciado y tenía una pequeña hija a quien pasarle su pensión de alimentos, por lo que tomó coraje, abrazó al productor y, para que nadie más notara que estaba rogando un aumento le dijo al oído:

- "Podrían ser U$ 11.500? Por favor, tengo un hija pequeña a quien alimentar"

-"Hijo, entonces serán U$ 12.500!"

- "Gracias! Muchas gracias! Jamás me olvidaré de esto!" - le prometió el mensajero al oído.

Con las vueltas de la vida, se convirtieron en amigos entrañables. Aquel productor arriesgado más tarde cayó en desgracia, mientras que el mensajero dueño de la sonrisa del millón de dólares se convirtió en un gran actor, muy afamado.

Estando en ése punto bajo de su vida, el productor recibió un llamado del ahora consagrado actor invitándolo a que lo acompañe a la próxima entrega de los premios de la Academia , los Oscars, al que había sido nuevamente nominado.

El productor no quería ir. La última vez que había asistido a esa gala, una de sus películas competía en varias categorías, ésta vez sin embargo, casi nadie recordaba su nombre. Casi nadie.

Su amigo, el mensajero que había prometido NO OLVIDARSE JAMÁS, estaba cumpliendo su palabra.

- "Quiero que camines esa alfombra roja a mi lado" - le había dicho por teléfono.

Esa noche después de la ceremonia, en el baile que ofrece la Academia para homenajear a todos los nominados y los ganadores, el actor camino mesa por mesa con su mano apoyada en el hombro del desafortunado productor como para devolverle la confianza en sí mismo, diciendo a quién quisiera escucharlo: - "Éste es el mejor productor que hay en la industria, él es mi amigo"

El productor recuerda esa noche como uno de los mejores momentos de su vida. Solo uno de los mejores... porque hubo otros. En otra ocasión, el productor sufrió un derrame que lo llevó directo al hospital.

Una noche, mientras aún permanecía en la Unidad de Cuidados Intensivos, ve a su amigo, al afamado actor parado en la puerta con su sonrisa del millón de dólares instalada en su rostro.

-"Vas a estar muy bien. Muy pronto" - le dijo.

Dos enfermeras y un encargado de seguridad llegaron hasta ahí y le ordenaron que abandone el lugar.

-"Ud. puede ser muy famoso afuera, pero aquí dentro hay reglas que TODOS deben respetar, y en éste lugar NO se puede estar!" - le gritaron.

El actor, lejos de intimidarse, miró a su amigo convaleciente y guiñándole un ojo le dijo:

-"Regreso en veinte minutos"

Exactamente en ese tiempo regresó su amigo con veinte pizzas, se sentó con las enfermeras, los que hacían la limpieza y los encargados de seguridad y las compartió con todos ellos.

Aquel consagrado actor, famoso mundialmente, en lugar de estar en un lugar glamoroso, disfrutando de las regalías de su vida privilegiada, estaba allí, una noche, compartiendo una pizza con trabajadores anónimos para poder ganarse el derecho de estar al lado de su amigo... simplemente cumpliendo su palabra. Al rato, naturalmente, lo dejaron ingresar.

-"Vas a estar muy bien. Muy pronto" - repitió - "Aún te queda mucho por hacer" Ese es otro de los momentos más imborrables de la vida de éste productor de Hollywood. El otro momento inolvidable que a éste productor le fascina mencionar es el siguiente:

Cuando la vida lo golpeó fuerte, éste productor tuvo que tomar una de las decisiones más tristes de su vida: Vender su hermosa mansión, donde había vivido por casi veinte años.

Sin embargo, cuando la rueda de la vida completó el giro, la fortuna comenzó a sonreírle nuevamente y sus producciones comenzaron a figurar entre las más exitosas sintió que una excelente manera de completar el ciclo era recuperar su añorada mansión.

Se comunicó con el nuevo dueño varias veces, pero éste, un acaudalado francés, presidente de una gran compañía, que residía en Montecarlo, se negaba sistemáticamente. Un día, compartió esa frustración con su amigo, el dueño de la sonrisa del millón de dólares. Al tiempo, el millonario francés, el nuevo dueño de la mansión finalmente accedió a venderle la propiedad al productor.

Cuando éste reingresó por primera vez a su mansión, se encontró con un dibujo de su amigo actor que decía: "De vuelta en casa. Hermoso" .

El ahora nuevamente afamado productor, cuando encontró la ocasión, le preguntó si tenía algo que ver con el cambio de opinión del francés y el actor le confesó que sí, que había volado a Montecarlo, pidió hablar con el multimillonario, y éste accedió a atenderlo solo por quince minutos... mientras se afeitaba!! Allí estaba éste actor, igualmente multimillonario, mundialmente reconocido, en el baño con un desconocido rogándole que le regresara su mansión a la persona que le había dado su primer trabajo importante como actor...
En determinado momento se arrodilló y le pidió por favor que accediera a su pedido.

El francés no terminaba de entender la situación por lo que le preguntó:

"Ud. me está diciendo que voló desde su casa hasta aquí SOLO para pedirme que le venda mi casa a su amigo?"

-"Eso es exactamente lo que estoy haciendo" - contestó el actor.

-"Prometo pensarlo"- dijo.

Ya era un avance.

Durante todo ese verano el multimillonario francés se congració con sus amistades que había tenido de rodillas en su baño a éste consagradísimo actor.

"Él cumplió su palabra. Jamás se olvidó. Él es mucho más que un amigo... él es parte de mi alma" - dice hoy el productor.

El productor es Robert Evans.

El actor, es el que más veces ha sido nominado al Oscar en la historia, con 12...Ganador en 3 ocasiones. Tiene el salario más alto de Hollywood. Posee una de las colecciones privadas de arte más valiosas del mundo (incluyendo varios Renoir, Van Gogh y hasta un Picasso colgado en el baño!).

Su fortuna está valuada en más de mil doscientos millones de dólares...

Sin embargo, sus amigos coinciden en que su posesión de más valor... es su palabra.
Su nombre

JACK NICHOLSON

Las vacaciones del Sr. Hulot

Las vacaciones del señor Hulot (Les Vacances de M. Hulot) es una de las películas más famosas de Jacques Tati, incluso llegando a ser considerada su mejor película, con la cual ganó una reputación internacional después de su lanzamiento en 1953. El film introduce al fumador de pipa y bien intencionado pero torpe personaje del Sr. Hulot, que aparece en un número de subsecuentes filmes de Tati, incluyendo Mi tío (1959), Playtime (1967), y Trafic (1971).

Les vacances ganó el premio Premio Louis Delluc en 1953, una nominación al Oscar en 1956 (compartida con Henri Marquet) por mejor guión original y fue colocada dentro del Festival de Cannes de 1953.

Las vacaciones del señor Hulot se proyectará este martes 14 de septiembre en el Auditorio de la Universidad del Caribe, dentro del ciclo "Mimos" en el CineClub Cancún Ortega & Chacón.

A continuación la ficha técnica y el trailer de la película.

Dirección: Jacques Tati
Producción: Fred Orain
Guión: Jacques Tati, Henri Marquet, Pierre Aubert, Jacques Lagrange
Música: Alain Romans
Fotografía: Jacques Mercanton, Jean Mouselle
Reparto: Jacques Tati, Nathalie Pascaud, Micheline Rolla
País: Francia
Año: 1953
Género: Comedia
Duración: 114 minutos

Cine Mexicano

El cine sonoro mexicano tuvo su principio en 1931. El estreno del primer "filme" se celebró con bombo y platillos, es decir, con mucho ruido. Los medios publicitarios de la época dieron cuenta del acontecimiento. con asistencia de artistas y personajes de la política, intelectuales, periodistas y locutores de la radio, al estilo de las premieres de Holywood, bajo la luz de innumerables reflectores se exhibió la película. La fecha: 30 de marzo de 1932.
La película: Santa. Basada en la novela de Federico Gamboa.
Con esta película inicia la creación de los sueños mexicanos en la pantalla.
en el siguiente comentario veremos los efectos que causó esta película en el ambiente cinematográfico mexicano.

Noticia CineClub

El próximo martes, 7 de Septiembre, no habrá función de Cine. En lugar de esta, la Universidad del Caribe, nuestra sede, nos invita a un concierto con motivo del décimo aniversario de esa Alma Mater. Así que será muy bueno asistir a este evento cultural y corresponder a la Universidad por todas las atenciones que nos ha brindado. Este concierto será a la 19:00 hrs.

Charlot

Vimos el martes pasado, en la película Dirigida por Charles Chaplin, quien también escribió el guión y compuso la música, un claro ejemplo del uso de símbolos. Dado que es un filme casi por entero visual, más que auditivo, los símbolos crean un lenguaje mucho más marcado. Por ejemplo, la flor blanca que le dá la muchacha ciega, supuestamente una violeta, representa un concepto de amistad, de cariño, una alegoría hacia el amor.
Busquemos otros símbolos...

Poster de la Película City Lights

Próximo martes 31 de agosto de 2010, Auditorio de la Universidad Del Caribe, 8 de la noche

Luces de la Ciudad

Charlot, el personaje interpretado por Chaplin, es un pobre vagabundo sin hogar que conoce y se enamora de una florista ciega. Poco después evita el suicidio de un millonario borracho, quien le hace promesas de amistad eterna. Sin embargo, cuando está sobrio, el millonario le rechaza.

Sir Charles Spencer Chaplin Jr. KBE (1889 – 1977) fue un actor, director, escritor, productor y compositor británico ganador del Óscar de Hollywood.

Con casi 90 películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la figura más representativa del cine mudo, el cual le ha dado su fama mundial y la consideración de uno de los grandes genios de la historia del cine. Su cine abunda de imágenes clásicas tan conocidas como su propio personaje. Sus hijos, Geraldine Chaplin y Sydney Chaplin (1926-2009), se dedicaron también a la actuación.

Luces de la ciudad se proyectará este martes 31 de agosto en el Auditorio de la Universidad del Caribe, dentro del ciclo "Mimos" en el CineClub Cancún Ortega & Chacón.

A continuación la ficha técnica y una "probadita" de la película.

Dirección: Charles Chaplin
Producción: Charlie Chaplin (no acreditado)
Guión: Charlie Chaplin
Reparto: Charlie Chaplin, Virginia Cherrill, Florence Lee, Harry Myers
País: Estados Unidos
Año: 1931
Género: Comedia
Duración: 87 minutos

The General de Buster Keaton

El maquinista de La General por su título en español, es una de las películas más famosas en la historia del cine mudo e inaugura el ciclo "Mimos" del CineClubCancún Ortega & Chacón, en el cual se proyectarán las mejores películas de los cómicos del cine.
En The General, Buster Keaton realiza un film lleno de humor y situaciones embarazosas, entre cabriolas y equilibrios. Con una buena fotografía y una planificación minuciosa, consigue crear una cinta llena de comicidad, emoción y poesía.
El maquinista de la General ha sido considerada como la obra maestra de Buster Keaton, en la cual no sólo participa como actor, sino como director y escritor. En la película podemos apreciar las técnicas de las que hacía uso para desarrollar un lenguaje cinematográfico adecuado a lo que el quería transmitir. Varios autores consideran que Keaton supera a Chaplin debido a que el primero demostró conocer perfectamente el medio en el que se desenvolvía.
Los esperamos este Martes a las 8 pm en el Auditorio de la Universidad del Caribe.

Dirección: Buster Keaton, Clyde Bruckman
Producción: Buster Keaton
Guión: Buster Keaton y Clyde Bruckman
Sonido: Película silente
Fotografía: Bert Haines
Reparto: Buster Keaton (Johnnie Gray), Marion Mack (Annabelle Lee), Charles Henry Smith (Mr. Lee), Richard Allen (Frank Barnes), Glen Cavender (capitán de la Unión Anderson).
País: Estados Unidos
Año: 1927
Género: Comedia
Duración: 75 minutos

A continuación un fragmento de un interesante documental de Buster Keaton.

¿quien teme a Virginia Woolf?

No cabe duda que la actuación de Elizabeth Taylor en esta película ha sido de las mejores en su carrera. Y no cabe duda que en esta película Mike Nichols, el director, nos muestra esa transición del teatro filmado a la expresión visual. Sabemos que el cine, antes de encontrarse a sí mismo, experimentó tres grandes tentaciones: la tentación de la pintura, la de la música y la del teatro.
La idea es esta: distinguir entre la dramaturgia del filme y su puesta en escena. La dramaturgia es la concepción misma del guión, la estructura del relato fílmico; la puesta en escena es su traducción en imágenes a cada momento de la narración. Y esto es lo que vimos en esta extraordinaria película.

Yo, la peor de todas

“Así cuando yo mía
te llamo, no pretendo
que juzguen que eres mía,
sino solo que yo ser tuya quiero”…

Yo, la peor de todas es una película que difícilmente se exhibe. El CineClubCancún Ortega y Chacón lleva hasta ustedes éste martes 17 de agosto, un filme de escasa difusión en cineclubes, mucho menos en salas comerciales.

Basada en la obra “Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe” de Octavio Paz, Yo, la peor de todas narra la historia de los conflictos de Juana de Asbaje, la musa de América.

Dirección: María Luisa Bemberg
Guión: María Luisa Bemberg y Antonio Larreta basada en la novela de Octavio Paz: “Sor Juana Inés de Cruz o las trampas de la fe”
Produción: José Luis Garci
Música: Luis María Serra
Edición: Juan Carlos Macías
Reparto: Assumpta Serna, Dominique Sanda, Héctor Alterio, Lautaro Murúa, Graciela Araujo, Alberto Segado, Gerardo Romano
País: Argentina
Año: 1990
Duración: 107 minutos

Quién teme a Virginia Wolf

El próximo martes 10 de agosto terminan las vacaciones del CineClubCancún Ortega & Chacón y continuamos con el ciclo "Divas"; ésta vez con Liz Taylor, en la película Quién teme a Virginia Wolf.

Dirigida por Mike Nichols y basada en la obra teatral del mismo título de Edward Albee. Ganó cinco premios Oscar y fue nominada a otros ocho. Richard Burton y Elizabeth Taylor actuaron los roles principales, George Segal y Sandy Dennis en los roles secundarios. De gran éxito de público en el momento de su estreno, lanzó a la fama a un joven realizador que en 1967 filmaría otro clásico: El Graduado.

Los esperamos este Martes 10 de agosto a las 8 pm en el Auditorio de la Universidad del Caribe.
A continuación la ficha técnica y el trailer:

Título original: Who’s Afraid of Virginia Woolf?
Dirección: Mike Nichols
Producción: Ernest Lehman
Guión: Ernest Lehman
Música: Alex North
Fotografía: Haskell Wexler
Reparto: Elizabeth Taylor, Richard Burton, George Segal, Sandy Dennis
País: Estados Unidos
Año: 1966
Género: Drama
Duración: 134 minutos

Reinicia el CineClub

Amigos cinéfilos, reinician las Noches de los MARTES. Esta vez con la proyección de una película muy interesante en muchos aspectos. Con las extraordinarias actuaciones de Elizabeth Taylor y Richard Burton, dirigidos por Mike Nichols: "¿Quién teme a Virginia Woolf?" (Who´s afraid of Virginia Woolf?, 1966).

Los esperamos. 8:00 pm, Universidad del Caribe, auditorio.

Se extrañan las Noches de los Martes

Cómo extrañamos las funciones de cine los Martes por la noche; ver una buena película, disfrutarla y platicar con los amigos sobre la película que admiramos con una copa de vino en la mano, un bocadillo y un apretón de manos. Ya solo falta una semana.

¡Vacaciones!

La Universidad del Caribe entra en su período de Vacaciones de Verano, por tal motivo se suspenderan las funciones del Cine Club Cancún Ortega & Chacón los días 27 de julio y 3 de agosto, reanudandose nuevamente esta agradable e interesante reunión de las Noches de los Martes, el 10 de agosto a la misma hora.

Tendremos una sorpresa para ese reinicio de películas, asi que, debemos estar muy al pendiente. Mientras tanto, disfrutemos del sol, de la arena y de este mar Caribe que tenemos la suerte de tener.

Seguiremos en contacto.

Sobre el Libro del Ciclo

Se ha mencionado con anterioridad quiénes son los principales responsables en el cine: el Director, el Productor, el guionista, el Director de la Fotografía, los Actores, pero uno que no deja de ser muy importante es EL EDITOR. Es el encargado de armar la película una vez que se ha filmado. Esta disciplina es exclusiva del cine, ya que no hay nada parecido en ningún otro Arte. En muy pocas palabras (ya que para ampliar esta función habría que leer el Libro del Ciclo: "Montaje & Postproducción" de Declan McGrath), su trabajo consiste en reunir las tomas filmadas, pegarlas en un orden inteligible de acuerdo con una progresión dramática, quitar lo que sobra y conferir a la estructura narrativa un ritmo adecuado. Despues sincroniza las imágenes con los sonidos para armar las pistas sonoras que incluyen diálogos, efectos y música. Como se ve, es un proceso bastante complejo. Es tan importante esta función ya que en la edicion una película puede cambiar radicalmente. Para muchos directores, esta es la parte realmente creadora del cine. Como vemos, la edición es cosa de magia.

Enamorada

La cuarta diva del ciclo es Mexicana y es María Félix. El CineClubCancún Ortega & Chacón, anexos y conexos, tiene el agrado de presentar la película que está considerada la mejor de La Doña y una de las mejores películas de Emilio "Indio" Fernández. Filmada en 1946, a cuatro años de su debut cinematográfico, María encarna a Beatriz Peñafiel, la bella, rica e indomable hija del hombre más notable de Cholula.
Enamorada representó la primera colaboración entre Emilio "Indio" Fernández y María Félix. Fernández la volvería a dirigir en Río Escondido (1947), Maclovia (1948), Reportaje (1953) y El rapto (1953) y juntos interpretarían un romance fílmico con tintes violentos en La Cucaracha (1958) de Ismael Rodríguez. El Indio vivió enamorado de la Félix, y en éste filme deja ver lo que siente un macho ante el rechazo de la hembra, siendo Pedro Armendáriz su alter ego.
Enamorada representa el peldaño más alto de la Época de Oro del cine mexicano; extraordinariamente dirigida por Emilio Fernández, aunada a la fotografía de Gabriel Figueroa, sus imágenes han cautivado a varias generaciones de mexicanos quienes hemos caído hechizados ante el embrujo de los maravillosos ojos de María Félix, nuestra María Bonita, nuestra Diva.


Dirección: Emilio Fernández
Producción: Benito Alazraki; gerente de producción: Antonio de Salazar; jefe de producción: Armando Espinosa; auxiliar de producción: Gilberto Rodríguez
Guión: Íñigo de Martino, Emilio Fernández y Benito Alazraki (sin crédito)
Música: Eduardo Hernández Moncada; canciones: "La malagueña" de Pedro Galindo y "Ave María" de Franz Schubert
Fotografía: Gabriel Figueroa
Edición: Gloria Schoemann
Reparto: María Félix, Pedro Armendáriz, Fernando Fernández, José Morcillo, Eduardo Arozamena, Miguel Inclán, Manuel Dondé, Eugenio Rossi, Norma Hill.
País: México
Año: 1946
Género: Melodráma romántico
Duración: 93 minutos

¿Por qué la gente no ve cine... mexicano?

Por Miguel Miranda

Ir al cine es un actividad cotidiana. Desde hace varias generaciones, asistir a una sala, comprar palomitas y ver una película de cualquier tema es parte del menú en nuestras distracciones. No es nada complicado y más, en una ciudad donde otras diversiones, actividades sociales y culturales no llegan con mucha frecuencia.
Sin embargo, la gente no ve cine mexicano. La proporción de la taquilla total de asistentes a ver cine nacional en comparación con el cine extranjero es del 8.9%, según fuentes de la CANACINE (Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica y del Videograma).(1)
¿Por qué la gente no ve cine mexicano? Por dos razones principales: no le interesa y la oferta no es lo suficientemente grande comparada con el cine extranjero, el hollywoodense, principalmente.
Comenzaré por el final, ilustrándolo con un dato importante; en la época de oro del cine nacional, aquella que comienza en 1936 y termina en 1957, la cual recordamos por las inolvidables actuaciones de María Félix, Pedro Armendáriz, Dolores del Río, Cantinflas, Joaquín Pardavé, Pedro Infante y muchos más, se llegaron a producir hasta 135 películas por año (2), mientras que la producción más alta en ésta década no ha logrado sobrepasar las 29 películas estrenadas en 2007 (3). Muchas de las producciones nacionales quedan enlatadas y no son exhibidas porque las distribuidoras y exhibidoras tienen poco o nulo interés en ellas.
Basta ver la cartelera de cualquier complejo de cine comercial para darnos cuenta de la predominante cantidad de cine norteamericano que repite, año con año y película tras película, las mismas fórmulas ya probadas que han llevado a Hollywood a ser un acaparador del cine mundial.
Volvamos al tema; muchas veces el público elige ver una película extranjera sobre una mexicana debido a que la fórmula extranjera es mucho más digerible, más prometedora y ofrece mayor expectativa que la nacional. A falta de elementos de comparación y referencias, el espectador prefiere ir a la segura viendo filmes donde los actores, los temas y las fórmulas sean cotidianas, conocidas y digeribles. Desde hace mucho tiempo, para ser exactos desde el fin de aquella “época de oro” del cine mexicano, el público etiquetó el cine nacional como “el churro”; el cine de “encueradas” y ficheras donde predominaba el albur y la grosería. Por generaciones, se nos ha inculcado que ver una película mexicana es un género “menor” al que es mejor mantener al margen de nuestras expectativas o, si acaso, con una película vista al año, y eso porque la recomendó la Tía Conchita, es más que suficiente para cubrir la cuota.
Nos da miedo el cine mexicano porque muchas veces, no tenemos las referencias suficientes para valorar una producción nacional, por desconocimiento de los actores, directores o productores, creemos que todas las películas mexicanas contemporáneas son malas, aburridas o telenovelas de dos horas proyectadas en pantalla grande.
Al conjuntar éstos dos postulados; la baja producción cinematográfica nacional y la falta de interés de las audiencias, el resultado converge en un círculo vicioso. Producir un largometraje mexicano de calidad cuesta mucho dinero, por lo cual son pocos los que se deciden a invertir (a pesar de los apoyos gubernamentales) en tan riesgosa empresa, económicamente hablando.
Nuestro cine, aquel que vivió una época de oro, donde se producían películas que se veían en todo el mundo hispanoparlante, ha quedado atrás. Sin embargo hay una generación completa que hace cine mexicano de muy buena factura. Desde 1991, las producciones nacionales son escasas, sí, pero una buena parte goza de gran calidad.


(1) http://www.canacine.org.mx/Sectores3b.html
(2) Factores relevantes de la Industria Cinematográfica en México. Disponible en http://www.srproductorx.com/index.php/files/Archivos%20basicos%20para%20produccion/
(3) Indicadores por Sector de la Industria Cinematográfica en México. Disponible en www.imcine.gob.mx

El libro de... Montaje & Postproducción

Estimado lector: ¿es usted aquel que suele grabar en video sus vacaciones, sin ninguna planeación, sin ton ni son y luego, al momento de presentar "la peli" a la familia... nadie entiende nada? Si contestó afirmativamente, éste es el libro que debe leer.
Declan McGrath es editor cinematográfico, irlandés de Belfast y ha trabajado como ayudante y montador en Gran Bretaña e Irlanda, también ha sido periodista y productor radiofónico. Escribió éste libro basándose en las entrevistas realizadas a montadores consagrados como Ralph Winters, Paul Hirsch, Pietro Scalia y Mark Berger entre otros, editores que trabajaron montando películas como Ben Hur, Los siete samurais, y El Padrino, entre muchas otras.
Mientras que el rodaje de una película dura comúnmente ocho semanas, la edición de ésta puede alargarse a ocho meses, o tal vez más; la posibilidad del efecto, entre los miles de fotogramas de un filme, es tarea del editor (o montador, como le llaman los españoles).
El montaje o edición cinematográfica es el único oficio exclusivo del cine, por lo que las entrevistas publicadas en este extraordinario libro descubren las diferentes facetas ocultas, en la sala de edición, del maravilloso séptimo arte.

Nota aclaratoria: esta sección se llamaba "El libro de la semana", pero debido a que las semanas pasan demasiado rápido y no hay tiempo para investigar libros de cine, hemos de cambiar el nombre a "El libro del ciclo"... usted dispense.

Ficha bibliográfica:
Título: Montaje & Postproducción
Autor: Declan McGrath
Editorial: Océano
Año: 2001
ISBN: 84-494-2074-1